Presentación

Amantes de mundos fantásticos, bisoños aventureros en busca de tesoros, criaturas de la noche, princesas estudiantiles y fanáticos de cachas de postín, ¡sed bienvenidos!. Invitados quedáis a rebuscar en nuestra colección de VHS, acomodar vuestras posaderas en una mullida butaca, darle al play, y disfrutar de lo bueno, lo malo y lo peor que dieron estas décadas.

ADVERTENCIA: Aquí no se escribe crítica cinematográfica (ni se pretende). Las reseñas son altamente subjetivas y el único objetivo es aprender y disfrutar del cine y, por supuesto, de vosotros.

Black Rain (1989, Ridley Scott) Black Rain



Sato parece norteamericano. Los tipos como él sólo respetan una cosa: el dinero.

Yo tenía 10 años cuando aquel B-29 llegó. Mi familia vivió bajo tierra tres días. Cuando salimos la ciudad había desaparecido. Luego el calor trajo la lluvia. Lluvia negra. Ustedes la hicieron negra y nos hicieron tragar todos sus valores. Nosotros olvidamos quienes éramos. Ustedes crearon a Sato y a miles como él. Ahora les pago en la misma moneda.




Los productores Stanley R. Jaffe y Sherry Lasing - productores también de la taquillera Atracción fatal (Adrian Lyne,1987), protagonizada por Michael Doublas y Glen Close - habían pensado en Paul Verhoeven para dirigir Black Rain, pero este había firmado otro compromiso y no puso hacerla.  Cogió el testigo Ridley Scott, quien, en su sexta película, siguió alejándose de sus anteriores producciones fantásticas (Alien, Blade Runner, Legend) como ya había hecho con el Thriller La sombra del testigo (1987) para ofrecernos una buddy cop movie que tiene puntos en común con Blade Runner por su estética visual desbordante: oscuridad, lluvia, construcciones gigantescas, luces de neón, aglomeraciones ... Sin duda la estética de Black Rain marcaría el consiguiente cine de acción de los noventa.
El director de fotografía es Jan de Bon (Jungla de Cristal, La caza del Octubre rojo, Línea Mortal ... ) y el excelente score es obra de Hans Zimmer quien a partir de esta película colaboraría con Scott en varias ocasiones (Telma y Loise, Gladiator, Hannibal ...)


Black Rain se estrenó el mismo año que la película homónima de Shoei Imamura. Una historia sobre la supervivencia de una familia japonesa tras la bomba de Hiroshima. La expresión Black Rain (lluvia negra) es usada para referirse a las consecuencias de la bomba atómica como podéis comprobar en las frases que encabezan el artículo de boca del jefe de los Yakuza de Osaka; aunque esta será la única referencia de una película más centrada en la introducción de un capitalismo depredador en Japón por parte de Estados Unidos que en los efectos del poder nuclear (como es el caso de la de Imamura). Y es que tras finalizar la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) , recordemos, con el lanzamientos de sendas bombas nucleares sobre Hiroshima y Nagasaki, Japón fue ocupado hasta 1952. 

El guión de Craig Bolotin y Warren Lewis nos narra la misión de los policías Nick Conclin (Michael Douglas) y Charlie Vincent (Andy García) a quienes se les ha asignado escoltar al despiadado Sato (Yusaku Matsuda), mienbro de la Yakuza japonesa, a Osaka después de haber cometido dos asesinatos en Nueva York. Una vez en Japón, Sato escapa del aeropuerto y junto con la ayuda del subinspector japonés Masahiro (Ken Takakura) tratarán de volver a detenerlo.

Esta incursión de un occidental en Japón para desfacer algún entuerto no resulta pionera - recordemos la magnífica Yakuza (1974, Sydney Pollack) protagonizada por Robert Mitchum y cuyo acompañante nipón es precisamente Ken Yakakura - pero si aporta aire fresco a las buddy cop movies e influiría en películas posteriores como por ejemplo Sol naciente (1993, Philiph Kaufman). Lo que se destaca en Black Rain son las diferencias culturales entre ambos policías, sobre todo el marcado indivisualismo encarnado en Nick Conklin (Douglas) frente al trabajo grupal y el concepto de honor de Masahiro (Ken Takakura). Ambos tendrán que trabajar juntos y terminan por aprender el uno del otro.



El reparto consta de nombres muy conocidos tanto en el occidente como en el oriente. Michael Douglas es la estrella principal cuyo nombre de ficción (Nick) sería el mismo de sus personajes posteriores en Instinto Básico (1992, Paul Verhoeven) y The Game (1997, David Fincher). Andy García (que había despuntado en Los intocables de Elliot Ness de Brian de Palma) interpreta a Charlie Vincet, el compañero de Nick. Y cierra el ala occidental una preciosa (jamás estuvo tan fabulosa) Kate Capshaw (Willie en Indiana Jones y el Templo Maldito y esposa de Steven Spielberg) cuyo personaje mantiene un pequeño "afair"sumamente candoroso  con Nick Conklin (acostumbrados como estamos a algunos de los papeles de Douglas).
En cuanto a las estrellas niponas están el "Clint Eastwood japonés", Ken Takakura como Masahiro y a Yusaku Matsuda como el despiadado Sato, ambos grandes estrellas en Japón. Tal era la popularidad de Takakura que las autoridades japonesas no permitieron que rodase escenas en las calles de Japón por temor a la reacción de la gente al verlo; esas escenas tuvieron que ser grabadas en Los Angeles (aunque gran parte de la película se rodó en Osaka). En cuanto a Matsuda señalar que fue su última película ya que murió ese año de cáncer de vejiga; al parecer ya se lo habían detectado antes de rodar , pero rechazó tratarse con quimioterapia porque no quería que este procedimiento médico interfiriese en su actuación ... Tremendo.






En mi opinión Matsuda, en su papel de Sato,  se come al resto del reparto. Y es que no sólo su presencia es imponente, sino que nos ofrece escenas inolvidables como la decapitación del pobre Charlie Vincent (Andy García) o la del ritual Yubitsume en la que Sato se amputa el meñique para enmendar sus ofensas a los Yakuza. 
Sato es fruto del capitalismo exacerbado, y como tal sólo seguirá sus ansias de poder y dinero aunque para esto deba enfrentarse tanto a los policías norteamericanos y japoneses como a la propia Yakuza a la que pertenece. Sato simboliza el individualismo extremo y despiadado del liberalismo más conservador; es la punta del iceberg de una nueva hornada de japoneses criados en el umbral de dos culturas antagónicas.



Black Rain fue nominada a dos Oscar por Mejor Sonido y mejores Efectos de Sonido, además funcionó de maravilla en taquilla recaudando más de 134 millones de dólares con un presupuesto de 30.

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA








VIERNES 13 PARTE X JASON X, EL MAL CAMBIA DE ROSTRO (2001, JAMES ISAAC) FRIDAY THE 13TH PART X JASON X


VIERNES 13 PARTE X JASON X, EL MAL CAMBIA DE ROSTRO (2001, JAMES ISAAC) FRIDAY THE 13TH PART X JASON X


Queridos Ochenters, si semanas atrás comenté y valoré los continuos esfuerzos por dar un final digno a Freddy Krueger en su última cinta “La Nueva Pesadilla de Wes Craven” (lo consiguiera Craven o no) hoy vamos a ver un ejemplo de todo lo contrario. Un buen ejercicio de cine comercial haciendo uso y provecho de la fama del personaje, filmando todo un despropósito sin respeto hacia un villano tan importante en el género Slasher como es Jason Voorhees, así como hacia su madre Pamela Voorhees y a todas las víctimas que una vez ajustició el bueno de Jason.
Una mezcla de Slasher y Ciencia Ficción que no sentó nada bien al bueno de Voorhees ya que ni se respetó la estética del personaje ni su historia. Es motivo suficiente para que se considere la peor entrega, con diferencia, de toda la saga (y mira que era difícil); entrega que más bien parece tomarse a broma a sí misma, ridiculizando por completo el estilo que a tantos fans enamoró.

Hoy, por fin y para dar por finalizada la saga “Viernes 13” y para bien del asesino Jason Voorhees, vamos a hablar de “Jason X”, décima entrega del famoso psicópata de Crystal LakeComo siempre, a partir de aquí es inevitable hacer spoilers de la trama, aunque en este caso, casi lo considero haceros un favor…

La historia se centraría cronológicamente años después de “Freddy Vs Jason”, (aunque se estrenó antes que ésta) Estamos en el año 2008 donde Jason, por fin, ha sido capturado por el gobierno y condenado por un juez a la pena capital (imaginaos el juicio). El primer problema viene aquí, pues Jason no puede morir y no por falta de ganas y empeño de sus verdugos, pues probaron desde la silla eléctrica a pelotones de fusilamiento e incluso la horca.

Aceptada la resistencia del personaje a morir, deciden dar otro paso y dejarlo en cautiverio en una prisión cercana a Crystal Lake, prisión especialmente diseñada para Voorhees (no os esperéis mucho de esta prisión, pues lo tienen atado con cadenas y correas en una habitación a lo Hannibal Lecter en “El Silencio De Los Corderos”)


Bien, como decía y ante la imposibilidad de acabar con su vida deciden lo que es más normal en 2008, dejarlo en suspensión criogénica (a lo John Spartan), para que, en algún momento del futuro, logren dar con un método que sea capaz de ajusticiar al grandote y hacerle cumplir su pena capital.

El problema viene cuando el Coronel Wimmer, (interpretado por David Cronnenberg, sí, el mismo que dirigió “La Mosca” de Goldblum) acompañado de un grupo de soldados quiere llevarse a “el bicho” (literal) al centro de Scraptown para investigar su capacidad regenerativa del tejido dañado.


“Me llevo el bicho” – David Cronnenberg y su bicho.

Petición a la que se niega una de las protagonistas de esta cinta debido al riesgo que ello conllevaría si Jason escapara, la doctora Rowan LaFontaine, investigadora gubernamental y encargada de la futura criogenización de Voorhees.


Cuando Wimmer y sus hombres van a la “celda” de Jason, descubren que se ha escapado, (no preguntes cómo) y ha puesto a un trabajador del centro en su lugar que previamente lo había tapado con una manta por sentir terror ante la mirada de Jason (todo esto ocurre en menos de cinco minutos) y aquí entra en escena de nuevo nuestro querido Voorhees y empieza a matar como sólo él puede hacerlo, acaba con todos los soldados incluido Wimmer, que es ensartado como un trozo de carne de barbacoa.


Puntería nivel Jason Voorhees.

Rowan, ante tal escena, corre a la cámara criogénica huyendo del asesino de Crystal Lake para tenderle una trampa y criogenizarlo. Jason cae en la trampa y es encerrado en la cámara criogénica machete en mano (que tampoco se sabe cómo vuelve a reencontrarse con su machete, simplemente aparece en su mano)
Bien, el plan funciona a la perfección y Jason queda atrapado en la cámara iniciándose la secuencia de criogenización. Rowan se acerca para cerciorarse de que Voorhees está dentro y Jason, que vengativo es un rato, atraviesa la puerta de la cámara criogénica con su machete, hiriendo a Rowan y provocando el cierre hermético de la habitación haciendo que todo lo que hay en ella quede en estado de criogenia, incluida Rowan, que queda atrapada junto al psicópata… Todo esto en menos de diez minutos de metraje.

Los años pasan y el planeta Tierra, literalmente, muere. No se sabe por qué ni cuando, simplemente no hay vida en el planeta y por supuesto nadie en todo ese tiempo que aún había vida intentó rescatar a Rowan y traerla de la criogenia, simplemente se la abandona junto a Voorhees.

Pasada la época antigua y en un futuro distante, entra en escena un grupo de universitarios de la nueva época entre los que se encuentra un droide sexualizado llamado Kay-Em 14 (que es un droide pero necesita traje de protección) los cuales van protegidos por mercenarios del futuro autodenominados “Gorilas” los cuales encuentran la cámara de criogenia. Como es normal la abren encontrando dentro a Voorhees, y tras un rápido análisis visual del personaje y dándonos información sobre el fatídico destino del Hockey haciendo alusión a la máscara de Jason, el cual será declarado deporte ilegal en 2024 vete a saber por qué, siguen inspeccionando la sala y encuentran a Rowan, igualmente en estado de letargo, la cual puede ser descriogenizada con éxito, según el droide Kay-Em.

Y aquí se sucede una de las escenas estúpidas (sin perdón) de la cinta con uno de los personajes cómicos, Azrael (del estilo Jar Jar Binks) que la emprende a golpes con la cámara de criogenia ya abierta, pues se le ha quedado pegada a la mano una taza que estaba congelada. Ante los golpes, Jason se tambalea aún machete en mano y cae cercenándole el brazo a Azrael. Como podréis suponer, en este futuro lejano, pues estamos en 2455, esto es como el que se clava una astilla y, tras un adhesivo que funciona como contención de la herida y analgésicos contra el dolor, deciden volver a la Grendel, su nave espacial y llevar a ambos especímenes del pasado con ellos.


Azrael y su brazo

De vuelta en la Grendel y con todo dispuesto para empezar con el proceso de vuelta a la vida de Rowan, entra en escena el profesor Brandon Lowe, que se hace cargo de dirigir el trabajo de despertar a Rowan y encarga a tres de sus alumnos que hagan un análisis completo a Jason en un laboratorio anexo.
Para regenerar los cuerpos criogenizados (o cercenados como en el caso de Azrael y su brazo) depositan los cuerpos en una máquina que analiza cada tejido del cuerpo y lo recompone con nanotecnología y lo que ellos llaman “hormigas” que son una especie de gusanos digitales que se introducen en el cuerpo para reparar células dañadas. Inician el proceso.

Mientras traen a la vida a Rowan, los estudiantes del doctor empiezan con el escaneo del cuerpo congelado de Jason, pero vete a saber por qué, dos de los tres estudiantes al cargo no aguantan su pasión (deben ser las feromonas que desprende el cuerpo congelado de Jason) y deciden ir a otra habitación a dar rienda suelta a sus deseos carnales.


Mientras, en el laboratorio anexo, Rowan es descriogenizada con éxito y acepta rápidamente que han pasado más de cuatrocientos años desde su criogenia y que va en una nave espacial… Tras esto, el profesor Rowe se pone en contacto con Dieter Pérez, de la estación espacial Solaris para comunicar sus hallazgos y así poder vender los dos especímenes nuevos. Todo muy profesional. Ante estos descubrimientos, Dieter no muestra el más mínimo interés, pues en esta época ya hay mucha gente descriogenizada y no es nada nuevo.

Ante la desesperación del profesor por su necesidad de dinero, Dieter descubre que uno de los dos especímenes criogenizados es Voorhees, del cual conoce toda su historia y por el que sí pueden conseguir una fortuna.


“Nos ha tocado la gorda” – Profesor Brandon Rowe

Aquí se sucede otra de las escenas absurdas de la cinta, pues tras las negociaciones aparece una de las alumnas del profesor que lo reclama para juegos carnales sadomasoquistas con unas pinzas en mano (existen droides prácticamente humanos y máquinas que regeneran tejidos a la perfección pero se siguen usando los mismos juguetes sexuales de hace cuatrocientos años) y una botella de champán en la otra.


“Profesor, creo que ha llegado el momento de hablar de mi examen…”

Mientras, la única persona que parece tomarse en serio su trabajo, una de las alumnas más avanzadas del profesor, cotillea bajo la máscara de Jason para ver qué guarda su portador. Tras este momento mínimamente interesante, nos pasan a la siguiente escena.


“¡Aprobada!” – Profesor Brandon Rowe

Sí, es el profesor vestido con un picardías violeta al cual le están retorciendo los pezones con las pinzas para placer masoquista. Imaginaos las caras de los espectadores en el cine.

Pero no contentos con esto pasamos a la siguiente escena, donde vemos al “técnico” encargado del mantenimiento de Kay-Em colocándole pezones al droide, porque bien sabido es que los droides quieren tener pezones, pues los humanos los tienen…


Es cierto que una de las señas clásicas de la saga “Viernes 13” son sus continuas referencias a la sexualidad desinhibida adolescente, pero al menos, estaban dentro de un contexto moderadamente lógico; aquí pasamos a estar en una nave de exploración medianamente normal con estudiantes, soldados, robots y profesores que de buenas a primeras entran en un bucle de escenas sexuales sinsentido como si Jean-Baptiste Grenouille hubiese esparcido por el aire su última creación antes de ser ejecutado.

Ante tal desarrollo de lascivos acontecimientos, Jason (¡por fin!) no tiene más remedio que despertar para poner orden (pues ya sabéis cómo se pone cuando la gente disfruta de sus cuerpos) y empieza a hacer lo que mejor sabe, matar. Lo curioso de esta película es que estás deseando que Jason empiece a hacer su trabajo con tanto personaje mediocre suelto, te identificas más con Voorhees que con los pobres venidos del futuro. Bien, como decía Jason empieza a matar, y lo hace empezando por el único personaje “normal” que hay en toda la cinta, la única persona que rechaza los placeres de la carne y está trabajando, Adrienne Thomas, interpretado por Kristi Angus.


Si lo llego a saber…

Eso sí, por lo menos nos deja una de las mejores muertes de toda la cinta.


Tras esta muerte, Jason encuentra una sierra quirúrgica del futuro enorme, (que es su machete 2.0) y empieza a cercenar a cuanto se pone en su camino con alguna escena que parece sacada de Scooby Doo.
Cuando Rowan descubre que Jason va con ella a bordo, la intentan tranquilizar diciendo que está criogenizado, pero ante su insistencia en deshacerse del cuerpo, deciden ir a verlo (ya todos desahogados) y como era de esperar, Jason no está. Entran en alerta máxima y los “gorilas” (los mercenarios del futuro), empiezan a buscar por toda la Grendel a Voorhees.

Todos perecen a manos de Jason, y debo hacer mención a la “muerte” del sargento Brodski interpretado por Peter Mensah (300, Avatar…) pero no por su epicidad si por lo estúpido de su guion.


Era joven… Necesitaba el dinero – Peter Mensah tras Jason X

Os pongo en situación, Jason atraviesa a Brodski (Mensah) con una barra puntiaguda de metal y éste, un personaje fuerte y decidido, dice la siguiente frase:

-“Con sólo un pinchazo no vas a acabar con este perro viejo...”

Tras esta frase de macho alfa, Jason lo atraviesa con la sierra quirúrgica y dice lo siguiente:

-“Sí, ahora sí…”


Seguimos; a punto de llegar a la estación de investigación Solaris, Voorhees acaba con la vida de Lou, piloto de la Grendel lo que provoca que la nave choque con la estación, la cual explota… Así es, la Grendel sigue adelante (un poco afectada, menos mal) pero la Solaris explota… Para que os hagáis una idea, es como si lanzáis un petardo contra un cohete y el cohete explota quedando el petardo intacto. Tras esto, se suceden las típicas escenas de pánico y varias muestras de carencias de civismo de los tripulantes del futuro que se animan unos a otros a que asomen las cabezas por las puertas por si Jason está detrás de ellas. Ya habiendo acabado con la vida de todos los tripulantes de la Solaris tras el impacto (cosa que les viene a dar igual) deciden usar el transbordador de escape para salir de la Grendel, y nuevamente, se sucede una de las escenas más absurdas del cine Slasher/Ciencia Ficción. Tenemos a Kay-Em 14 y al técnico encargado de ella (el de los pezones) que le pide que analice las probabilidades de éxito de ir al transbordador a lo que responde el droide con un cálculo del 12%. El técnico enfadado le pregunta si no hay alguna posibilidad de mejorar las probabilidades y entonces, se besan... Creedme que todo esto sucede así. Como podréis imaginar todo sale mal y el transbordador termina explotando.

No puedo dejar de comentar la trama sin mencionar la escena más ridícula de toda la cinta, vuelvo a poneros en situación. Con el resto de tripulación acorralada por Jason y ante lo que parece una muerte segura de los personajes que quedan, entra en escena una remozada Kay-Em 14 envuelta en cuero pero que ahora es ninja y sabe Kung Fu, la cual propina una brutal paliza a Jason, que termina descuartizado a tiros.


“¿Quién es tu mamaíta?” – Kay-Em 14

Y dejan lo que queda de Jason en la máquina de regeneración (muy inteligente) la cual se cortocircuita y empieza a escanear el cuerpo, pero al ver que no hay suficiente materia orgánica cancela el proceso, pero no se sabe bien por qué, esta cancelación es denegada por la propia máquina que busca un sucedáneo celular sintético por la habitación para regenerar a Jason dando el siguiente resultado.


Como podréis imaginar, esta aberración de Jason, conocido como Uber-Jason o Jason modificado, fue con mucho, lo que más indigno a los fans de la saga. Un Voorhees robotizado más semejante a RoboCop de Verhoeven que al villano que todos conocíamos.

Quiero que entendáis el nivel de cutrez del que hace gala todo el metraje y de cómo se va superando para mal y alimenta la desesperanza del espectador que busca comprender qué está ocurriendo. Empeñada en acabar con Jason Voorhees, New Line Cinema apostó por una idea que ya sonaba mal en el papel y que terminó siendo peor en movimiento.

El infame guion fue escrito por Todd Farmer (“San Valentín Sangriento 3D”) y dirigido por Jim Isaac (“The Horror Show”, “Hombre Lobo”…) contando con un presupuesto inicial de once millones de dólares y con una recaudación en taquilla de diecisiete millones.


Hago lo que quiero… con mi Jason – Todd Farmer.

Su BSO fue nuevamente dirigida por Harry Manfredini, habitual de toda la saga, dando como resultado una BSO más cercana al telefilm que a una producción de cine, os dejo su tema principal.


Para ir terminando y como siempre, os dejaré algunas curiosidades de la cinta para quitaros un poco del mal sabor de boca.

-El nombre del personaje de Adrienne, es en realidad un homenaje a Adrienne King, actriz principal de “Viernes 13


-El guionista Todd Farmer dijo que se inspiró en “Alien, El Octavo Pasajero” para preparar el guion de “Jason X


-“Jaxon X” es la película de la saga “Viernes 13” con el mayor número de muertos: veintiocho en total


-La versión americana de “Jason X” sufrió algunos cortes para pasar la clasificación para menores de dieciséis años. La versión de la película exhibida en los demás países no sufrió ningún corte.


-A pesar del desastre en taquilla y en crítica, salió a la venta numeroso merchandising, pues iba a vender igual, de la película, como figuras basadas en la nueva versión de Jason Voorhees


O la nueva máscara metalizada


En definitiva y para dar por finiquitada la saga “Viernes 13”, esta cinta no será recordada como algo a tener en cuenta dentro de la franquicia, aunque sí como ejemplo a evitar. Sin salvación alguna, Jason Voorhees terminó siendo una caricatura futurista de lo que algún día fue gracias a New Line Cinema que buscaba beneficios a cualquier precio. Por lo menos, siempre podréis revisitar las primeras partes de la saga y volver al campamento Crystal Lake para disfrutar de las matanzas que otrora nos hacían saltar del sillón ante un incombustible y maltratado Jason Voorhees.

Me despido queridos Ochenters con el sabor agridulce que esta décima película me dejó en su primer visionado y me ha vuelto a dejar durante este escrito, esperando que, al menos, os haya resultado entretenida la lectura.
Hasta el próximo artículo amigos.




Bern Foster. Ilustrador.


Soy Bernardo Bejerano, artísticamente soy conocido como Bern Foster, y realizo ilustraciones de cine, personajes, y fantasía y ciencia ficción, destacando una estética clásica y de los años ochenta. 

Procedo de Chiclana de la Frontera, Cádiz, y me gradué como Ingeniero Industrial, profesión que me permitió ejercer como Ingeniero de Diseño a nivel internacional para la industria de la Automoción. Siempre me he dedicado al dibujo y la pintura en mi tiempo libre, aunque decidí dedicarme a la Ingeniería ya que nunca enfoqué la ilustración como una profesión. 



Aunque siempre he dibujado en papel, empecé como ilustrador profesional de forma digital con Photoshop debido a problemas económicos y de almacenamiento. Afortunadamente, trabajar como Ingeniero me da la posibilidad de invertir en lo que mas me gusta, el dibujo y la pintura. Por esa razón, deje de usar lo digital para volver a lo tradicional. Ilustrar digitalmente no me parece lo suficientemente artístico ni inspirador, y aunque Photoshop puede hacer maravillas, al final las ilustraciones no dejaran de parecer digitales. Ademas, la sensación de ilustrar de forma tradicional es completamente diferente.

Debido a que no estudie en ninguna academia de arte, todo lo aprendí por mi cuenta, a través de otros artistas como los prestigiosos Hajime Sorayama o Drew Struzan, en los cuales me he inspirado en muchos de mis trabajos. 



- ¿Puede alguien ganarse la vida como ilustrador?

Sí puede, y no siempre depende del talento. Hay personas que tienen madera de buen emprendedor, y tienen grandes ideas y mucha iniciativa para ganar dinero con su arte. Otras personas tienen mucho talento, pero no saben promocionar su trabajo o enfocarlo económicamente. Por mi parte, no pienso mucho en como sacar dinero del arte, solo disfruto de la pintura. 

Hay algo que detesto dentro del role de artista. Muchas de las personas que ha admirado mi trabajo me ha pedido hacer ilustraciones para álbumes de música, portadas etc., y aunque suena alentador, ocurre por ejemplo que el cliente suele pedirme hacer una ilustración con estilo “New Retro”, esto es con luces de neón de color rosa y violeta , muy usado para las portadas del nuevo genero musical electrónico ambientado en los 80. Aunque mi estilo ha sido muy marcado en los 80, no tiene nada que ver con lo que me piden. Es como decir que John Harris tiene el mismo estilo que Hiroshi Nagai solo por el hecho de tener un estilo clásico. 



Muchas de las veces que he hecho una ilustración para un cliente, y el cliente esta muy enfocado en una idea que no comparto, al final da igual el talento que tengas, tu trabajo lo adaptaras a la idea de alguien que no es artista, y hagas lo que hagas tendrás que modificarlo una y otra vez, y estar semanas o meses modificando una ilustración por una mediocre cantidad de dinero, para que se ajuste a la idea del cliente. Esto es muy frustrante. En estos casos hay que hacer la ilustración de forma digital, de lo contrario es muy difícil hacer modificaciones con ilustraciones reales.

Actualmente es difícil ganar dinero con el arte, y aunque el mercado se ha ampliado en la ultima década al mundo de los videojuegos, sigue sin estar lo suficientemente valorado. Ademas, la posibilidad de ilustrar de forma digital, ha hecho que el arte este al alcance de cualquier usuario de forma masiva.

Mucha gente que actualmente realiza ilustraciones lo hace meramente por el dinero, y lo ven como un negocio. Cuando realmente amas la pintura, lo conviertes en algo muy personal, y la persona para la que pintas eres tu mismo. Si de esta forma te ganas la vida, puedes considerarte muy afortunado. 



- ¿Cómo es el proceso de pintura?

Nunca he utilizado siempre la misma técnica, todo depende de que tipo de ilustración vaya a hacer. Si voy a pintar una ilustración sobre personajes de fantasía, criaturas, o películas, prefiero que se aprecie textura y suciedad en la misma, con un estilo mas agresivo. Para ello suelo utilizar una tabla de ilustración sobre la que aplico una base de yeso acrílico. Sobre esta realizo el dibujo y aplico los colores base con aerógrafo, detallando finalmente con lapices de colores. 

Si voy a ilustrar por ejemplo una mujer con estilo futurista, o texturas de metal, me enfoco mas en una idea mas limpia, utilizando lineas mas definidas, con una tonalidad mas suave, y en definitiva, mas mecánico. Este proceso es largo, y parte de un boceto en papel, el cual se modifica mediante recortes para ajustar las proporciones y las poses, usando como referencia fotografías y objetos físicos. El boceto lo dibujo de nuevo mas definido para tener el dibujo final y después lo escalo y traspaso a una tabla de ilustración mas grande. Posteriormente lo protejo con un spray fijador para resaltar el lápiz y para poder aplicar pintura sobre el sin deteriorar el dibujo. Esta pintura base se hace con un lavado de pintura acrílica mezclado con agua. A partir de aquí, utilizo para los detalles lapices-borradores y borradores eléctricos para la iluminación, también brochas y aerógrafo. 




Mucha gente me pregunta que referencias he utilizado, o si es una recreación exacta de una foto. Por lo general, utilizo fotos de Internet, revistas, y en caso de materiales como el metal, he llegado a utilizar referencias como el cabezal metálico de una manguera de ducha, o la lampara metálica de estudio que uso para dibujar. En cuanto a los personajes, suelo recortar fotos (un brazo de aquí, una pierna de allá, etc.), y hacer una especie de collage en Photoshop, que me permite tener una idea de lo que quiero hacer, y cuando estoy convencido de la idea, empiezo ha realizar los bocetos a mano. El problema viene cuando estoy enfocado en una idea concreta. Si quiero una determinada pose, he tenido que buscar referencias de esa misma pose, a veces no del cuerpo entero, sino una determinada pose de un brazo, y como consecuencia, perder horas en esto. Cuando se trata de un modelo masculino, puedo utilizar fotos mías como referencia.

Es muy importante saber que material usar, de lo contrario puedes destruir una ilustración si no elijes el lienzo adecuado, o si utilizas demasiadas capas de spray fijador en el dibujo, etc. He llegado a destruir varias ilustraciones por la misma razón, y he tenido que hacer doble trabajo arreglándolo. Hay mucha inversión puesta en materiales.

Considero que aun soy un aprendiz en todo esto, y que tengo muchísimo que aprender, y por lo tanto, muchísimo que dibujar. Eso me hace muy feliz.



Aquí tenéis sus páginas de FACEBOOK e INSTAGRAM donde podéis ver más trabajos ...

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA

Phantasma (1979, Don Coscarelli) Phantasm



"Mike, un joven que acaba de perder a sus padres, observa a su hermano Jody mientras este asiste al entierro de su mejor amigo. Mike ha seguido a su hermano sin que él lo sepa, obsesionado con la idea de que, tras el funeral, abandone la ciudad para siempre. A la salida del cementerio, Mike es testigo de una escena muy extraña: un hombre de considerable envergadura alza el féretro, lo introduce en el coche fúnebre y desaparece. Mike describe la escena a su hermano, quien lo toma por loco. Molesto por la incredulidad de Jody, Mike vuelve al cementerio de Morningside al anochecer, infiltrándose en la morgue donde, además de descubrir una serie de extrañas criaturas, es perseguido por una esfera voladora de plata." 

Sinopsis extraída (salvo una pequeña variación) del libreto incluído en la edición de la colección de Phantasma editada por 39 Escalones Films.


Los amigos de 39 Escalones Films nos han enviado la saga completa de Phantasma (cinco películas) editada en Blu-Ray. Voy a comentar la primera película de la saga y después os enumero las características de la impresionante edición de 39 Escalones Films.

Antes de sorprender al mundo con lo que se convertiría en una película de culto y en un clásico absoluto del cine de terror, Don Coscarelli, a la tierna edad de 18 años, ya había rodado Jim, el más grande del mundo (1976) y Kenny y compañía (1976). Fue debido a una anécdota acaecida durante la proyección de su comedia Kenny y compañía lo que le llevó a incursionar en el terreno del terror del que era ferviente seguidor; en una escena de esta película un hombre vestido de monstruo causó un gran susto entre la audiencia y esto concienció a Coscarelli de realizar una obra de terror.

El germen de esta obra surgió de una pesadilla en la que Coscarelli era perseguido por una bola voladora a través de interminables pasillos. Con esta idea en la cabeza Coscarelli se recluyó en una cabaña de la montaña y comenzó a escribir el guión. Una noche, bebiendo un refresco en un vaso de poliestireno, Coscarelli atravesó el vaso con su dedo y de ahí surgió la escena de los dedos del "Hombre alto".




A la hora de elegir a los actores protagonistas Coscarelli ya había creado a los personajes para actores con los que había trabajado. Mike fue concebido para Michael Baldwin ( Kenny y compañía). Reggie, el vendedor de helados, fue escrito para Reggie Bannister (Jim, el más grande del mundo y Kenny y compañía). Para Jody, el hermano mayor de Mike, había pensado en Gregory Harrison (protagonista de Jim, el más grande del mundo), pero este declinó y el papel se lo adjudicó Bill Thornbury. Para el hombre alto pensó en el tristemente fallecidoAngus Scrimm (Jim, el más grande del mundo). Respecto a Scrimm me gustaría señalar que contrasta radicalmente la malevolencia que destila interpretando al Hombre Alto frente a su encantadora personalidad en el mundo real; si tenéis oportunidad ved alguna de sus entrevistas o asistencias a convenciones y os aseguro que vais a quedar tan sorprendidos como yo ... 





Debido al escaso presupuesto (300.000 dólares) Coscarelli y su equipo se las tuvieron que ingeniar para crear unos efectos visuales decentes. Así las escenas del mausoleo discurren en un sólo pasillo diseñado por Mark Scott y la esfera era lanzada a mano por David Brown, el director artístico, desde detrás de la cámara y filmándola a cámara lenta para luego invertir la dirección en la edición y lograr el efecto del vuelo.  El mundo alienígena fue rodado en una presa de California con treinta niños vestidos de enanos y figuras de cartón. Además, el equipo de rodaje era alquilado únicamente durante los fines de semana para ahorrar gastos. El padre de Don Coscarelli produjo la película y su madre, Kate Coscarelli, se hizo cargo del diseño de producción, maquillaje y vestuario (todo quedó en familia).

El título de la película ("Phantasm") alude a una palabra que Coscarelli leyó en un relato de Edgar Allan Poe que significaría algo así como un sueño, pesadilla, una sensación de irrealidad, algo en un lugar donde no pertenece ... 
Y es que Phantasma es una película en la que sueño y realidad se confunden despistando y sorprendiendo al  espectador y provocando que este cabile si lo que ha visto únicamente pertenece al mundo onírico de un joven Mike aterrado con la idea de la muerte personalizada en la figura del Hombre Alto. Para esto Coscarelli nos ofrece momentos sumamente chocantes y surrealistas como la abrupta transformación de La mujer de Lavanda (Kathy Lester) en el Hombre Alto, la secuencia en la casa de la adivina y su nieta (esa extraña risa de ambas al más puro estilo David Lynch), la placidez de la escena de Jody y Reggie tocando la guitarra (que fue improvisada) y lógicamente ese final que nos descoloca por completo al plantearnos que todo fue un sueño hasta que parece que deja de serlo ...

Un dato muy interesante es que se grabaron tres "muertes" diferentes del Hombre Alto. La que vemos en la película, otra en la que era destruido por el frío (odia el frío) de un extintor y una tercera en la que era ahorcado (y cuyas imágenes se utilizaron en la cuarta parte: Phantasma Apocalipsis (1998).





En cuanto a los momentos terroríficos, las bazas son la interpretación de Angus Scrimm como El Hombre Alto que , aunque corta, resulta memorable y contundente (¡¡Chiiicooo!), la famosa esfera asesina, los enanos y otras escenas de pesadilla como la de Mike y El Hombre Alto en su cama o la del planeta de otra dimensión ... A esta atmósfera ayuda mucho la sencilla pero genial melodía compuesta por Fred Myrow y Malcolm Seagrave.

Phantasma fue un éxito en taquilla (sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto) que casi alcanza los 12 millones de dólares y fue nominada a los premios Saturn como mejor película y ganó el Premio Especial del Jurado del Festival de Cine Fantástico de Avoriaz. Nueve años después Coscarelli rodaría la secuela.



CONTENIDO DEL PACK DE 39 ESCALONES FILMS

BLU-RAY 1 –BD50-: PHANTASMA (1979) -REMASTERIZACIÓN 2016-

Duración: 89 minutos - Audios: Castellano DTS HD 2.0 / Inglés DTS 5.1/2.0 HD - Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director), Paul Pepperman (coproductor) y Roberto Quezada (consultor visual).
2- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Michael Baldwin, Angus Scrimm y Bill Thornbury.
3- Entrevista televisiva 1979 a Don Coscarelli y Angus Scrimm (29 minutos).
4- Detrás de las cámaras - películas caseras (21 minutos).
5- Escenas eliminadas (5 minutos). 1/2 y 3
6- PHANTASMAGORIA -Documental- (98 minutos).
7- Tráiler cinematográfico.


BLU-RAY 2 –BD50-: PHANTASMA II - EL REGRESO- (1988)

Duración: 97 minutos - Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1/2.0 HD - Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Angus Scrimm y Reggie Bannister.
2- Los días sangrientos: entrevista con el especialista en maquillaje Greg Nicotero (22 min.).
3- TV spots (2 minutos)
4- Angus Scrimm en la convención Fangoria -1989- (10 minutos).
5- Concierto de Kat Lester (6 minutos).
6- Tour del misterio (14 minutos).
7- Phandom (18 minutos).
8- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 3 –BD25-: PHANTASMA III - EL PASAJE DEL TERROR- (1994)

Duración: 92 minutos - Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1/2.0 HD - Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con los actores Angus Scrimm y Reggie Bannister.
2- Las esferas metálicas: entrevista a Bob Ivy -especialista- (10 min.).
3- Detrás de las  cámaras (9 minutos).
4- Escenas eliminadas.
5 Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 4 –BD25-: PHANTASMA IV - APOCALÍPSIS- (1998)

Duración: 90 minutos - Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1/2.0 HD - Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Angus Scrimm y Reggie Bannister.
2- Detrás de las  cámaras (31 minutos).
3- Promo.
4- Phantasma y tú (4 minutos).
5- Phantasma: Genésis (18 minutos).
6- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 5 –BD25-: PHANTASMA V - DESOLACIÓN- (2016)

Duración: 86 minutos - Audios: Inglés DTS 5.1 / 2.0 HD- Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y productor) y David Hartman (director).
2- Detrás de las  cámaras (6 minutos).
3- Así se hizo (11 minutos).
4- Secuencia de créditos en rojo.
5- Phuntasma: errores y descartes (9 minutos).
6- Un minuto con David Hartman (1 minuto).
7- Escenas eliminadas (9 minutos)
8- Tráiler cinematográfico.

LIBRETO 36 páginas a cargo de SCIFIWORLD

PVP RECOMENDADO PACK: 59,95 € (5 blu-rays)


GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA